di Ivan Quaroni
Alberto Zecchini, The Slip, tecnica mista su tela, 70×140 cm.
Alberto Ribé e Alberto Zecchini sono pittori che hanno messo al centro della propria poetica il corpo. Il primo viene dall’illustrazione, il secondo dal fumetto, due pratiche che insegnano a dare voce a un’immagine con pochi mezzi e a renderla leggibile a colpo d’occhio. Da quell’apprendistato hanno ricavato una conoscenza precisa del profilo e della postura di un’anatomia, poi, nel passaggio alla pittura, hanno tradotto questa capacità comunicativa in un linguaggio che riesce ad essere insieme coinvolgente e perfettamente leggibile. Da questo punto in avanti le loro strade si distinguono. Ribé procede per sottrazione, cercando di valorizzare il vuoto che rende percepibili le forme dei suoi soggetti femminili, mentre Zecchini procede per accumulazioni cromatiche e gestuali alla costruzione di identità ibride e mutanti.
Alberto Ribé, Grow, 2025, tecnica mista su carta intelata, 50×40 cm.
Questa differenza si legge anche nel diverso modo di concepire lo spazio. Quelle di Ribé sono figure che abitano interni ridotti a pochi segni, tracciati con sottili linee che formano gli angoli di una stanza. Sono luoghi mentali, ambienti proiettivi che permettono di stabilizzare la natura mobile e vibrante dei suoi soggetti. Quelle di Zecchini, invece, abitano un paesaggio dai confini sfumati, dove piante, fiori e animali affiorano da un fondo magmatico che conserva l’energia del gesto che lo ha creato. Nell’uno l’ambiente diventa l’immagine di una visione limpida e cerebrale, nell’altro quella di un sentimento impetuoso e travolgente. In loro Apollo e Dioniso si contaminano a vicenda: l’eros increspa la compostezza delle figure di Ribé, mentre un’aspirazione ideale orienta il lirismo di Zecchini.
Le due ricerche si incontrano sul terreno dei gesti ordinari. Ribé sceglie i più quieti e li isola in una stanza ridotta a pochi piani di colore, dove il prima e il dopo restano sospesi e il gesto diventa pura presenza. Zecchini sceglie quelli dell’affetto, che affida a creature ibride, rendendo il sentimento riconoscibile al di là dei confini della specie.
Istantanee di Alberto Ribé
Le donne dipinte da Alberto Ribé sono colte durante una pausa, in atteggiamenti di quiete che la pittura restituisce con particolare intensità. Sedute, accovacciate, distese o raccolte su sé stesse, abitano una dimensione rarefatta, dove le azioni più ordinarie acquistano un significato inatteso. Lo si vede in opere come Rainy Day (2025), dove una figura femminile siede assorta nei propri pensieri, o in Relaxing (2025), in cui la protagonista si abbandona a una posizione spontanea. Sono frammenti di una quotidianità privata, episodi apparentemente insignificanti che l’artista converte in occasioni di contemplazione. Il suo interesse si concentra su quella porzione di esperienza che solitamente sfugge all’attenzione, perché troppo prosaica per essere osservata con consapevolezza.
Alberto Ribé, Rifugio, 2026, tecnica mista su carta intelata, 80×90 cm.
Ribé parte da fotografie scattate personalmente, che sottopone a un processo di progressiva semplificazione. Elimina gli elementi accidentali, riduce la descrizione al minimo e trattiene soltanto ciò che è essenziale. La figura viene così liberata dalla contingenza dello scatto fotografico e acquista un valore autonomo rispetto alla circostanza che l’ha originata. La sintesi diventa il principio ordinatore di una pittura che affida alla chiarezza delle forme e all’equilibrio della composizione la possibilità di evocare una condizione interiore.
Alberto Ribè, The Wait, tecnica mista su carta intelata, 2025, 120×80 cm.
La sensualità costituisce un’altra componente importante di questa ricerca. Ribé è attratto dalla morbidezza delle anatomie femminili, dalla flessuosità delle pose e dall’eleganza spontanea dei movimenti. La sua è una visione estetica, quasi formalista, che modella le figure attraverso cromie innaturali, conservandone la consistenza volumetrica grazie alla precisione del disegno e alla misurata semplicità delle composizioni. In The Second Choice (2025), ad esempio, la morbidezza della protagonista è accentuata dalla fluidità dei contorni e dalle variazioni cromatiche dell’incarnato, mentre in Sunday Morning (2024) la posizione raccolta rivela una sensualità che nasce dalla familiarità del soggetto con la propria fisicità. La placida seduzione esercitata da queste immagini deriva dalla naturalezza con cui le donne si mostrano, immerse in una dimensione privata, estranea a qualsiasi forma di esibizione o compiacimento.
Alberto Ribé, Sunday Morning, 2024, tecnica mista su carta intelata, 90×80 cm.
Nel ciclo Hic et Nunc (2026) si possono rintracciare riferimenti alla filosofia zen, alla pittura giapponese e alla pratica della mindfulness, che chiariscono l’interesse dell’artista per la consapevolezza del presente e per la capacità di prestare attenzione agli aspetti più semplici della vita quotidiana. Le protagoniste appaiono concentrate in azioni che rivelano una particolare disposizione all’ascolto di sé. Accade in Verso l’alto (2026), dove l’espressione e l’atteggiamento della donna suggeriscono uno stato di raccoglimento, o in Rifugio (2026), in cui la posizione accovacciata traduce fisicamente un desiderio di protezione.
Alberto Ribé, Relaxing, 2025, tecnica mista su carta intelata, 50×35 cm.
Anche la riduzione dei dettagli fisionomici contribuisce al carattere essenziale di queste immagini. I volti sono spesso appena accennati e l’identità individuale diventa labile, incerta. Gli atteggiamenti formano una grammatica visiva capace di evocare stati d’animo senza ricorrere alla narrazione. Questa indeterminatezza lascia allo spettatore la libertà di attribuire ai soggetti pensieri ed emozioni, stabilendo una relazione personale con l’opera. L’ambientazione contribuisce alla medesima economia espressiva. L’artista schematizza gli interni in poche linee e campiture cromatiche, sufficienti a suggerire la struttura di una stanza. Viene in mente la geometria che Francis Bacon utilizzava per isolare i propri personaggi, sebbene in Ribé quella struttura assuma una funzione diversa, conferendo alle scene un carattere raccolto e silenzioso. Succede perfino in un dipinto insolitamente affollato come The Wait (2025), dove tre donne condividono il medesimo ambiente, pur essendo ciascuna immersa nei propri pensieri. La stanza diventa così una sorta di proiezione psicologica, capace di accogliere differenti stati d’animo senza imporre una precisa cornice narrativa.
Alberto Ribé, The Second Choice, 2025. tecnica mista su carta intelata, 50×40 cm.
Ribé concepisce molti dei suoi dipinti come istantanee, frammenti di vita sottratti allo scorrere delle ore. La pittura, attraverso la lentezza della propria esecuzione, prolunga la durata di ciò che la fotografia registra in una frazione di secondo. In un’epoca dominata dalla rapidità delle immagini e dalla continua sollecitazione dell’attenzione, questa scelta assume un significato culturale preciso. Le sue opere suggeriscono la possibilità di recuperare un rapporto più consapevole con il tempo, fondato sulla capacità di abitare pienamente il presente.
Metamorfosi di Alberto Zecchini
La pittura di Alberto Zecchini è popolata da creature ibride, individui dall’anatomia umana e dalle sembianze animali che abitano un universo inquieto, attraversato da una sorprendente sensibilità affettiva. I suoi personaggi vivono con assoluta naturalezza una condizione che, ai nostri occhi, appare straordinaria. L’artista è interessato soprattutto alle implicazioni emotive di questa trasformazione, alla possibilità di riconoscere sentimenti familiari in esseri dall’aspetto inconsueto.
Alberto Zecchini, Surprise, 2026, tecnica mista su tela, 100×120 cm.
L’origine di queste figure risiede nella fascinazione di Zecchini per il folclore, un patrimonio di racconti, credenze e tradizioni popolari nel quale il confine tra umano e animale viene continuamente attraversato. L’artista attinge a questo immaginario con grande libertà, inventando un repertorio personale di creature che conservano qualcosa delle antiche figure leggendarie. La metamorfosi costituisce il principio generativo di un mondo governato da una logica affine a quella del mito e del sogno. L’abbigliamento contemporaneo e i comportamenti dei protagonisti conferiscono a queste apparizioni una sorprendente credibilità, collocandole in una quotidianità reinventata dalla fantasia.
Alberto Zecchini, Senza Titolo, 2026, tecnica mista su tela, 120×100 cm.
I personaggi di Zecchini si abbracciano, si accarezzano, danzano, insomma cercano il contatto fisico con una spontaneità che rende immediatamente comprensibili le relazioni tra i personaggi. Attraverso questo repertorio di azioni, l’artista indaga sentimenti ed emozioni che appartengono alla nostra esperienza. La scelta di attribuire sembianze animali a individui dai comportamenti umani introduce una componente di straniamento, che rende più evidente il significato di atteggiamenti altrimenti abituali. C’è in questa visione una sensibilità affine alle riflessioni di Donna Haraway sulle specie compagne, incentrate sulle relazioni di reciprocità tra esseri umani e animali. L’ibridazione permette a Zecchini di superare idealmente le classificazioni biologiche, immaginando una condizione nella quale la diversità delle forme lascia emergere bisogni e inclinazioni condivisi. L’alterità diventa così un’occasione per interrogare la nostra capacità di riconoscere nell’altro una sensibilità affine alla nostra.
Alberto Zecchini, Egg, 2026, tecnica mista su tela, 100×120 cm.
Questa attenzione per la sfera affettiva ha radici nella precedente produzione dell’artista, incentrata soprattutto sulle coppie di amanti. Nell’immaginario di Zecchini, gli innamorati possiedono una particolare capacità di superare le difficoltà di comunicazione del nostro tempo, affidandosi a un’intesa che precede le parole. Già in quelle opere i volti e i tratti individuali avevano un’importanza secondaria rispetto all’espressione dei sentimenti. L’introduzione delle creature fantastiche segna un’evoluzione di questa ricerca, trasferendo il tema dell’amore in un universo popolato da identità mutevoli. Si tratta di un passaggio significativo, che amplia le possibilità espressive dell’artista attraverso un repertorio iconografico più libero e imprevedibile. Questa evoluzione trova un corrispettivo nella pratica pittorica, che Zecchini concepisce come un processo aperto, alimentato dal confronto diretto con la materia. I personaggi acquistano consistenza attraverso successive stesure di colore, emergendo da fondi mossi e irregolari che conservano le tracce dell’esecuzione. L’impiego recente dell’acrilico gli permette di accentuare la fluidità delle immagini, alternando la morbidezza dei volumi alla vivacità delle pennellate. Ne deriva una pittura dalla forte presenza fisica, nella quale la definizione dei soggetti convive con l’energia spontanea del gesto.
Alberto Zecchini, Brother Wolf, 2026, tecnica mista su tela, 70×140 cm.
Verdi acidi, aranci, turchesi e viola conferiscono alle composizioni un carattere acceso, talvolta visionario, mentre le tonalità più sommesse accompagnano le scene di maggiore raccoglimento. Gli ambienti, popolati da presenze vegetali e animali, evocano paesaggi indefiniti, nei quali la vegetazione e i personaggi condividono la stessa esuberanza cromatica. Le variazioni di tono e intensità contribuiscono a creare un’atmosfera mutevole, ora festosa e vibrante, ora più intima e malinconica. Una componente musicale, rilevata anche da Cristina Boschini, accompagna la genesi delle opere di Zecchini. La scansione delle pennellate, le improvvise accensioni cromatiche e l’alternanza tra zone dense e rarefatte evocano la libertà dell’improvvisazione musicale. Il carattere ritmico della composizione restituisce qualcosa della spontaneità del processo creativo, lasciando affiorare sulla superficie l’impulso che guida la mano dell’artista.
Alberto Zecchini, The Help, 2026, tecnica mista su tela, 100×120 cm.
Per Zecchini, il fantastico è, in fin dei conti, uno strumento attraverso cui interrogare il rapporto tra identità e alterità. La metamorfosi libera i personaggi dalle forme consuete e offre a chi guarda la possibilità di immaginare un’umanità allargata, capace di riconoscersi anche nelle sembianze di altre creature. Il suo universo pittorico acquista così il valore di una favola contemporanea, nella quale la diversità diventa parte integrante di una comune esperienza del vivere.
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